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『关注』“脱口锈”的未来

Sun, 14 Mar 2010 08:56:33 +0000

       脱口秀怎么了？这个从上世纪50年代现身，考究主持人功力的节目形态，一年来经历接二连三的风波，最著名的是NBC两档脱口秀节目的暗战，以及主持人的上下起伏，脱口秀越发不受年青人待见，奥普拉的说教、莱特曼的目中无人、雷诺的自以为是，都显得有些老态龙钟。

       去年秋高气爽的9月，权威的《时代》把杰·雷诺（Jay Leno）放上了封面，并用“杰·雷诺是电视圈的未来，千真万确！”的前瞻标题来描述2009-2010年度的美国电视圈大事件。9月14日晚上，NBC为“镇台之宝”雷诺开设的《杰·雷诺秀》顺利开播，进驻周一至周五的十点黄金档，绝对有着前无古人的重大意义。

       但可惜的是，这也将成为后无来者的绝唱。2010年2月，黄金档的《杰·雷诺秀》播出最后一集，之后将被挪至十一点半。这个被NBC赋予要拯救收视率于最强点的节目，虽然是帮电视台省了不少预算，不过收视率也被省掉不少。脱口秀已经成了“脱口锈”，《时代》赶紧做了个特刊，“《杰·雷诺秀》毁了脱口秀的未来，千真万确！”

脱口秀进驻黄金档成致命错误

       《老友记》终结之后，NBC显然无法拿出一部收视良好的剧集。《急症室故事》的剧终结束、《超能英雄》的后力不足、《我为喜剧狂》的口碑收视不成正比，NBC这个必须依靠广告生存的公共电视台，低迷的收视率也就意味着收益的锐减，资金陷入严重危机。NBC总裁杰夫在看到了真人秀引发常规剧集收视危机之后，想利用脱口秀这个同样成本低廉的节目形态来让NBC起死回生。

       但效果如何，看事实就显而易见。《杰·雷诺秀》的失败，甚至把NBC逼迫到更为尴尬的地步。前几年市道不景气，可以怪罪于编剧罢工的后遗症，但今年的整体收视率回潮，而NBC却下错了赌注，每周23%的黄金档期扔给了只有600万的脱口秀节目，这实在是让人汗颜。

       最气不打一处来的就是柯南·奥布莱恩（Conan O'Brien），他可是等了近16年才等到这个《今夜秀》的主持机会。由于NBC在4年前曾许诺过奥布莱恩，只要雷诺离开《今夜秀》，那他就会是这个王牌节目的主人。为此，奥布莱恩可是拒绝了众多电视台的邀约。好不容易媳妇熬成婆的奥布莱恩，只不过把玩了七个月的《今夜秀》主持棒，还没顺手，就又要调整档期了。这对于奥布莱恩而言是个不小的侮辱，首先《今夜秀》为一个开播不过四个月的节目让出档期，这可实在是前所未闻。其次，他古怪、尴尬的幽默方式已经让《今夜秀》的固定收视群无法适从，《杰·雷诺秀》紧挨着《今夜秀》之前播出，似乎也向观众发出信号，看完《杰·雷诺秀》，你就可以乖乖睡觉了。还有一个稍微无厘头的理由让奥布莱恩无法释怀，凌晨零点开播的《今夜秀》，似乎应该改名为《昨日秀》更为恰当。

       不过“胖墩”雷诺看着“方块脸”奥布莱恩的一脸沮丧也无法暗地里偷笑，因为他承受着的压力是有过之而无不及。按照雷诺向好友袒露的心声，他心中的难处主要还是十点档——这个合家欢档期，有着严格的节目要求，粗言秽语的审核尤其严重。而脱口秀的一大魅力就是针砭时弊地冒出些黄段子、指桑骂槐地用些限制级桥段。更何况，原本脱口秀是以男人为主要受众，进驻十点档意味着也要为女性收敛一些。在如此一个档期之下的雷诺，感觉像戴着脚镣跳舞。

没有赢家的战争让脱口秀生锈

       经过一年的折腾，被誉为“一张嘴可以操控权力”的脱口秀节目，如处于风口浪尖上般岌岌可危。先是向来喜欢冷嘲热讽的大卫·莱特曼（David Letterman），一不小心自己成了众人耻笑的对象。在去年10月初的《大卫·莱特曼深夜秀》中，他自爆收到了勒索信件，信件中表明对方有确凿的证据证明莱特曼和数名女性幕后工作人员有染，希望得到200万美元的封口费。事情叙述完毕后，他承认了这几段性丑闻，并在之后的节目中向妻子以及制作组道歉。这场意外的告白令得《大卫·莱特曼深夜秀》收视往上狂飙36%，达到570万，创造了近几年来节目的新高。不过他本人的声誉却急转直下，有人甚至质疑原本可以偷偷解决的案件之所以被他放上台面，是为了博眼球，在竞争中上位。

       丑闻风波还没完全平息之时，脱口秀女王奥普拉站出来，表示自己要在2011年的9月9日，《奥普拉·温弗瑞秀》25周年之际，终结这个节目。究其原因其实有点讽刺，这位脱口秀女王，可以为奥巴马的总统竞选增加一百万张选票，却无法挽救自己日益低迷的收视。她的离去从一定程度上来讲，是明智之举。

       至于《杰·雷诺秀》的尝试失败也再次证明了脱口秀进入全家福时段的任重而道远。其实这已经是《今夜秀》“毕业生”尝试进驻黄金档的第三次，前任主持人杰克·帕、约翰尼·卡森都有过这种尝试，只不过没有雷诺一口气拿下五天十点档那么夸张罢了。但无论低调还是夸张，脱口秀对于黄金档这个神话档期始终是只可远观而不可亵玩。

       在观众越发细分的如今，脱口秀的未来很有可能在有线电视台上开出第二春，斯蒂芬·科波在Comedy Central电视台的《科波报告》的成功，以及HBO越洋把瑞奇·格维斯请到美国开新脱口秀等消息的公布，深爱脱口秀的观众大可以把目光投到这些节目身上。所以，请目前“单飞”的奥布莱恩千万要找好下一个主子，Fox虽然受众更多一些，但其它有线电视的自由度可广得多，这样你的那张囧脸才能笑得开怀。

『周末画报』撰文张麟

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Tags - 关注 , 电视 , 娱乐 , 脱口秀

『关注』Martin Sharp：波普艺术家的朋克年代

Fri, 12 Mar 2010 08:38:33 +0000

Martin Sharp，澳大利亚最具影响力的波普艺术家，他设计的著名的Bob Dylan的海报和同时代的Stanley Mouse、Rick Griffin和Milton Glaser一起成为迷幻海报的经典。Martin Sharp为《Oz》设计了大量的封面、卡通和插画，他往往在服用LSD之后测试新的创作体验，全视觉化的“神奇剧院”特辑被誉为英国地下出版刊物中最伟大的创作。

『新视线』×Martin Sharp

作为伦敦嬉皮文化的中心人物之一，The Pheasantry是不是更像一个乌托邦？围绕着这幢房子有什么有趣的事情发生在你们之间？
那是一个非常美妙的时期，伦敦是一个很有趣的地方。我们当时住在King's Road，那是一个时装特别兴盛的地区。跟Philippe Mora和Frayer Matthew合租了一栋房子，真的很好玩。Frayer现在是个很出色的大学教授。认识Eric Clapton对我的人生有很大的改变。Eric是Jenny Kee介绍给我认识的。Jenny是个很优秀的时装设计师，她当时在Speakeasy俱乐部工作，我第一次跟Eric Clapton见面就是在那个地方。这是一件非常幸运的事情，在对的时间遇到对的人。The Pheasantry也是一个很好的工作室。很多人都跟我说，那段时间肯定是人生中最美好的时光。但其实我现在也很好啊！说实在的，在我以后的工作里面，很多的想法都是在那个时候生成的。

你在The Speakeasy俱乐部里和Eric Clapton的遭遇看起来是那么传奇，那个时期你一共大概设计了多少唱片封套？之后还在设计吗？
我为Eric设计过两个封面，都是他在Cream乐队时期的作品。还有为Mighty Baby乐队设计过唱片封套，也是我蛮喜欢的。接着几年也设计过别的，我到现在仍然非常热爱设计。最近也为Tiny Tim设计过，即便他在13年前已经过世了，我到现在还在为他做设计！

就言论的开放性而言，目前的环境和当初你们那个时候有什么最大的不同？现在的“政治上的正确”是不是更加糟糕？现在有可能出现一本像《OZ》这样的杂志吗？
我觉得这要看到底是谁在掌控。像中国一个这么大的国家，要照顾到这么多人是很困难的一件事。我年轻时也曾为言论自由的问题牵涉在一些官司中，但都是在悉尼，我与伦敦那宗官司是没有关系的。我并没有参与“School Kids OZ”那期的创作。至于“政治上的正确”这个问题，很多东西在表面看来的确是政治正确的，但底下经常都会隐藏着其他的动机或信息。这些信息有时候可以很幽默，我最喜欢幽默而且讽刺的东西。当然这只是在我心情好的时候。作为一个艺术工作者，代表你有能力用一种不同的语言表达不同的事。我认为尽力用自己能做到的方式表达自己是很重要的。

电影版的《Hippie Hippie Shake》你看过没有？觉得怎么样？
之前我也看过剧本，其实跟我一点关系都没有。我觉得他们资料搜集并不完善。他们只是用了我的名字，然后根据他们的喜好制造了一个角色。我觉得把一些话硬跟一个真实的人扯上关系是很不公平的，尤其是当他们从来都没有这样说过。到底是谁赋予他们这样的权利呢？我觉得他们利用了我的名字。虽然我授权在电影里使用我的作品，但那是我对大众发表的东西，当涉及到我私人名义的时候，那就不同了。我总共出现的55场戏全都是虚构出来，没有一场是真实的。我知道拍一部电影不是一件容易的事，但如果是像现在这样，我宁愿没有我的角色。我不希望成为某些人的想象世界中的一个角色，尤其他们所表达的都不是事实。电影是立体媒体，很多看电影的人看到什么就会相信什么。我觉得它没有呈现出60年代的感觉，至少跟我想象中的不一样。问题是，我们现在距离那个时候已经有一段时间，而且每个人对那个时期的印象都不一样，有不同的回忆。我觉得这可以是很好的电影题材，而且每位演员都演绎得很好，可能还是剧本的问题吧。其实有另外一部由休·格兰特（Hugh Grant）主演，叫《The Trials of OZ》的老电影，我觉得好看多了。

你在伦敦也待了一段时间。你怎么看待伦敦和悉尼的差别？哪一个城市更像家？
虽然我是在伦敦认识Eric Clapton和Tiny Tim的，但我觉得我为Tiny Tim做的设计也受到美国的影响。他们两位都给我很多意见，我们也受到了伦敦国际文化的影响。我在2002年回去过伦敦一次，我已经是一个60岁的老头了，感觉当然会有点不一样。我一直都很喜欢伦敦，但我现在在悉尼也过得非常开心。而且我是个澳大利亚艺术家，这点是毋庸置疑的。

『新视线』采访 Ann 撰文卢涛

『What's More』

The Pheasantry - 坐落于伦敦国王路152号，Cream时期的Eric Clapton曾居住与此。

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Tags - 关注 , 波普 , 艺术 , 朋克

『艺术』未来总动员：英国当代艺术珍藏展

Thu, 11 Mar 2010 11:19:05 +0000

      回想过去的10年、20年，谁能描摹这个时代里英国的创造力？是以Blur、Oasis等乐队拉开帷幕的Britpop，还是近期杀回的盖·里奇或更早些的《猜火车》？这些屹立不倒的英国当代文化旗手，远不绝于此。随着Frieze艺博会的兴盛、泰特现代美术馆的游人如织，无疑让人相信这背后还有一部热力的发电机——YBA（Young British Artists），年轻英国艺术家们。

       提及YBA，有必要读一下艺术家邱志杰在《<后感性>展览始末》一文中的话：“1997年时我创作了一批作品如《物》等，都在强调现场的可感受性。我和吴美纯开始商量组织一个表明这种倾向的展览。我们知道这个展览将主要由年轻人组成，成名艺术家都中观念艺术之毒太深。但能理解我们的想法的年轻人在哪里？什么时候才能登上中国艺术的舞台，我们并不清楚。我想到用‘后感性’这个词来描述这种必将出现的艺术，颇有几分兴奋。同年秋天我去欧洲旅行，知道英国人办了《Sensation》那个展览，当时心里一苦：‘他妈的’这个词让英国佬给废了。”

Young British Artists是谁？

       尽管过去的20年间，当代艺术领域生意兴隆，常为人诟病“破铜烂铁”价格已直追印象派等市场巅峰，“当代艺术”被混淆成了和时尚、建筑、商界联姻的生活方式，但美学建树却寥寥。现在想来，除评论家、史论家、策展人们极力打造的“关系美学”品牌外，也只有YBA能够顽强地留存在时代的记忆里。

       YBA，这些年轻英国艺术家们是何方神圣？其实，他们不过是一群于上世纪80-90年代交接时期投入艺术生产的小青年，绝大多数人还是伦敦歌德史密斯学院的学生。如果你看过Blur名曲《乡村小屋》的MV，就会对Damien Hirst这个名字有所了解。这位客串导演，今天俨然已经被神话成当代艺术近年来的里程碑。其近作《因神之爱》由8000多颗钻石覆满一枚骷髅，索价近百万欧元，一夜间成了街谈巷议。不仅上了《Artforum》杂志封面，也在新世纪里重新勾勒出青年艺术家的肖像。

       早在1988年，年仅23岁的达明安·赫斯特策划并集结Sarah Lucas、Richard Paterson、Ian Davenport等一干艺术家在伦敦一码头边空置的大楼里，上演一场经典的展览──《冰冻（Freeze）》。《冰冻》不仅仅为“艺术家即策展人”的展览模式添砖加瓦，也孕育英国新艺术运动的火种。著名策展人Norman Rosenthal、泰特美术馆掌门人Nicholas Serota都亲历现场。画廊界大鳄Charles Saatchi也一举相中这批青年，三年后为他们举办了一场划时代的展览《年轻英国艺术家》，YBA也因此得名。也就是在这次展览上出现YBA的标签式作品，Damien Hirst的大型装置《生者心中死亡的肉体不可能性》── 一条浸泡在福尔马林药水里的鲨鱼。

       虽然YBA本身仅是一个特殊时间和国度范畴里的群体而非艺术流派，但比起总需要借评论之口反复厘清其模糊边界的“关系美学”而言，YBA们的作品显然更直接亦更风格化。他们主张放浪形骸的视觉形态，试图把一代青年与流行文化、消费文化的互搏状态，及无聊慵懒的生活方式投射进离经叛道的表现手法中。不论是电影里的Derek Jarman、音乐上的朋克群体、还是Gilbert & George等艺术家。

《未来总动员》里的时代轮回

       三年前，一场名为《余震》的展览在中国重现当年YBA震动全球的那些瞬间：Damien Hirst、Sam Taylor-Wood、Sara Lucas等YBA代表人物的知名作品终于和中国观众亲密接触。而2006年，也是艺术世界里另一拨新艺术家群体崭露头角的时段，CBA（中国青年艺术家）成了另一个互作类比的名词。取义形象的《余震》于本地是刻舟求剑的参照系还是前车之鉴？当时的观众心里都有急需一把定义中国新艺术的尺度。

       不知为何，当年的《余震》始终没有登陆上海。2010年，英国文化协会从其艺术收藏中取出若干举展的《未来总动员》东渡上海，终于弥补了观众的遗憾。《未来总动员》进门便是一张Damien Hirst的画作。艺术家圆点绘画系列中，随机着色的原点，机械、冷静、迷幻地展现出Hirst挑衅、充满争议的创作侧面。而对立面中，鲜为本地观众知晓的Mark Titchner的《未来需要你的参与》，更生动暗示这批艺术家的出处。

       《未来总动员》的野心显然不仅限于提供一份YBA的名单。在一连串走马观花间，也交代另一个英国当代艺术的仪式：特纳奖。这个由泰特美术馆、四频道等多方协作的年度奖项，数十年来扶持一批新晋英国艺术创作者。早年间，特纳将不仅见证Jarman同Gilbert & George的华山论剑，也为Damien Hirst等YBA艺术家们加冕。展览的40余位参展艺术家中有11位特纳奖获得者，22位提名者。《未来总动员》与其说是眺望明天，不如说是回到昨日的明天。其实，有一批年轻人早就站在东方或者西方舞台上，只是我们还不清楚。

『周末画报』撰文怀特·李  摄影吕祝君

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Tags - 艺术 , 当代艺术 , 英国 , 展览

『阅读』日本经典电影和他们的电影观

Wed, 10 Mar 2010 04:27:15 +0000

       舒明和郑树森都是香港资深的电影研究者，相信不少日本电影的爱好者都阅读过舒明的《日本电影风貌》和《平成年代的日本电影》，而郑树森的《电影类型与类型电影》则是为数不多的电影类型分析的中文著作。这本《日本电影十大》本是他们二人的对谈录，但同时也是评论导演风格以及对后来者的影响，为读者详尽搜集日本电影排行榜、导演作品目录等资料。

       所谓十大是指书中的两个部分——十大导演以及十大名片。十大导演不是指十个导演，而是“舒明根据《电影旬报》每年十大电影导演的入选次数而统计出来的首20人名单”。当中包括了黑泽明、小津安二郎、市川昆、今村昌平、沟口健二、大岛渚、筱田正浩等等，大师名匠及他们的杰作佳作在书中纷陈罗列。

       读毕《日本电影十大》，我认为此书可以视为日本经典电影精读——大量的资料陈述、生卒年份齐备、什么年份拍摄什么作品、简单短促的评说，又有提纲挈领的点列式电影特色综论，例如木下惠介电影的三大特色、山田洋次“寅次郎系列”的七大特色、成濑巳喜男的三方面特色、五项成就、三个特点、四个被西方忽略的原因等等。对于有意细赏日本经典电影的读者，《日本电影十大》确是不错的选择。哪一位导演值得关注，哪一部影片是杰作佳作，只要翻开《日本电影十大》，就能便捷地给你标准答案，免却不必要的兜兜转转。

『周末画报』撰文邵忠

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《日本电影十大》
郑树森、舒明著
INK印刷出版
Tags - 文化 , 日本 , 电影 , 阅读

『艺术』Decode：数码时代的VA博物馆

Tue, 09 Mar 2010 11:53:18 +0000

       提起伦敦的Victoria & Albert博物馆时，人们首先想到的决不是什么尖端技术。这间全球最大的装饰艺术与设计博物馆创立于维多利亚女王统治时期，致力于提升英国民众的品味，展出的文物历史可追溯至3000年前。可这次的“解码”（Decode）带来的无疑是一个雄心勃勃的展览，它试图撕去技术沉闷难懂的面纱，反映包围着我们日常生活的各种新技术的融合。

       这次展览的核心部分在波特画廊（Porter Gallery）中举行，这间偏厅是V&A专门用于举行当代艺术与设计临时展览的。而在博物馆的其他位置也放置了多个展品，包括在博物馆中庭展出的Jason Bruges Studio运用LED灯光及摄像技术创作的装置作品。当参观者穿过黑暗的入口进入展览空间，迎接他们的是Daan Roosegaarde的“沙丘”（Dune）装置。“爱丽丝漫游仙境”（Alice in Wonderland）与电子时代相遇，这是一个闪烁的电子音乐田地，每当有人走过它就会发出光芒与声音来表示欢迎。这种未来主义的欢迎方式让参观者立即兴奋起来；人们仿佛把日常生活留在身后的V&A门厅，走进色彩斑斓的未来体验之中。

“代码”

       展览分为三个主题。第一个主题是“代码”（Code），设计师把运行电脑所必需的核心数据用作设计工具。这些作品把电脑程序代码当作灵感及有形的物质。设计师探索了代码是如何被编程，从而创造出不断流动、永恒变化的对象，带来让人惊叹的美丽效果。展出的作品“数码西洋镜”（Digital Zoetrope）由多元设计团体Troika创作。这个装置的灵感来自诞生于1834年的西洋镜，原始的西洋镜利用光线及运动播放单独的图像或画面，从而形成画面活动的错觉。Troika把城市生活的破碎体验，以步行、骑车或开车等不同速度在城市中旅行时所涌现的感官印象，作为数码版西洋镜的基础。这种时间体验与城市的许多层面通过数码文字展现，以各异的速度穿梭于画面的表层，展示运动中的状态改变。

       软件开发员兼艺术家Karsten Schmidt为这次展览创作了开源市场推广活动，在展览场馆内及网上都可以观看。“再编码解码”（Recode Decode）允许参观者下载源代码并直接与其互动。这是V&A第一次为其网站创作数码作品，而相当数量的由观众再编码的艺术作品将出现在伦敦地铁的数码屏幕上以推广这次展览。只要遵照V&A网站上的指引来做，就算你不是专业编码员也可以参与进来。

“互动”

       “互动”（Interactivity）单元才是真正乐趣的开始。参观者可以与作品进行互动，并对作品的发展做出贡献，其中许多作品都在展示设计与表演的界限。Ross Phillips的《视频网格》（Videogrid）鼓励自信人士来为一块不断重复播放的电视墙贡献一秒钟的视频。Mehmet Akten的《体绘》（Body Paint）让参观者在一面墙壁前跳跃与挥手，而墙壁则会不断放射出迷幻的色彩来回应。只需等上一段时间，它便可能成为一个互动广告，安装在世界各地的巴士站中。

       除了利用人体的运动与声响之外，某些展品还拥有难以言喻的能力，可以模仿真实的生活；其中最使人紧张不安的例子要数Golan Levin的《光电隔离器2号》（Opto-IsolatorII），让你不禁怀疑这台机器是否真的拥有灵魂。这个真人比例的机械眼可以跟随观察者的目光，如果观察者眨眼，一秒之后它也会跟着眨眼。

“网络”

       展览最后的主题是“网络”（Network），这里的作品对日常交流中所留下的数码痕迹进行评论与利用。网络因我们日常活动的痕迹而饱和，从我们发送的信息、发表的博客文章，到我们穿越的物理边界。Jonathan Harris与Sep Kamvar的项目《我们感觉良好》（We Feel Fine）从世界各地的博客中提取作者形容他们感受的评论，以色彩缤纷的漂浮球体代表这些信息。用户可以通过选择情绪、博主的性别、年龄与城市来过滤这些信息，从而揭示这些匿名而常常高度个性化的、对当今现代生活的见解。这件作品引起了人们对社交网络站点的自白本性的思考，在赋予不断的细节流露以视觉美感的同时，我们通过技术分享了我们自己。

       如果从艺术与设计的角度来看，“解码”或许有点缺乏深度，依赖着智能噱头，有时反而突出了技术产业未能超越其界限。然而V&A成功展示了技术进步对我们日常生活的影响，并让我们得以窥视不久以后的未来生活。这里的展品并没有改变世界，但或许通过博君一笑而改变了我们看待世界的方式。

『周末画报』撰文 Zoey Goto  翻译 Shirley Tang

『What's More』

维多利亚与艾伯特博物馆（简称V&A） - 创立于1852年，是世界上最伟大的艺术与设计博物馆，馆内收藏了全世界最多的装饰艺术品。V&A本身是著名的维多利亚时期建筑物，共有145个展厅，分为5个陈列主题，即亚洲、欧洲、材质和技术、现代作品及特展区。作为仅次于大英博物馆的英国第二大国立博物馆，V&A博物馆自成立时就被赋予了教育民众的使命。

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Tags - 艺术 , 数码 , 展出 , 博物馆

『建筑』泰特当代艺术馆的扩建传奇

Sun, 07 Mar 2010 06:02:00 +0000

       在伦敦步步为营进阶为世界一流创意之都的成长过程中，泰特当代艺术馆（Tate Modern）起到了相当的作用。泰特当代艺术馆二次扩建修改方案一公布，立刻成为所有人瞩目的焦点。无形中这一次的扩建被寄予了极高的期望，大家甚至期望新的建筑空间能够改变人们看待当代艺术的方式，这样的要求无异于期望母鸡给想吃松花蛋的食客们直接下一个出来。

疯狂的泰特2改造方案

       泰特当代艺术馆当年的一期扩建工程也是由赫尔左格&德穆隆事务所（Herzog & de Meuron）设计完成的，这个作品在2000年创造了一个工业建筑再利用的绝佳案例。目前的二次扩建（简称泰特2）改造工程也是一个工业建筑再利用的好例子——它的前身是一座旧的发电厂，始建于1947年，建筑师是设计英国红色电话亭和滑铁卢大桥的Giles Gilbert Scott。这个发电厂在当时成为了工业时代的精神象征，建筑中线上那个90多米高的烟囱与不远处高耸的圣保罗大教堂共同形成了泰晤士河天际线的制高点。

       1994年7月，泰特方面就发电厂空间转换建筑设计进行了一场国际竞标，4个月之后，6个入围者从148个方案中脱颖而出，有David Chipperfield建筑事务所、OMA/雷姆·库哈斯、安藤忠雄等等。次年，公布赫尔左格&德穆隆的方案胜出，他们的方案显得气度非凡，不仅高度尊重了原有建筑的精神，用巧妙的转换代替了大的改动，利用屋顶光线的引入使得整个展示空间功能完整，风格现代。

       目前泰特当代艺术馆每年的参观人数达到了460万，远远超过了10年前开馆时预期的180万，因此，泰特的二次扩建工程势在必行。赫尔左格&德穆隆早在2006年曾经公开过一个设计方案，用“疯狂”这个词来形容第一眼感受较为准确——由方形玻璃盒子错落堆砌而成的塔楼。考虑到这个提案的外观过于炫耀，第二版的设计修改成砖饰外立面，另外还增加了三个空间——利用暗藏在建筑下面的三个储油罐转换成表演空间、画廊与办公室。这或许是伦敦最让人意外的房间了。

       新馆将在原来的基础上扩建60%。立面由砖和玻璃构成，远看似折纸。共有11层，其中有些楼面设计成了跃层。10楼有一个150座的餐厅，11楼设置了一个公共的观光走廊。由于是塔状，楼层越高，面积就越小。修改后的版本，使楼内的动线组织以垂直方向为主，坡道、旋转楼梯和8部电梯在垂直方向连接了所有的楼层。整个项目的工程预算为2.15亿英镑，其中政府出资5000万英镑，其余的期望由捐赠人出资。建成后的泰特2会吸引巨大的客流。如果施工质量能够保证设计外观的呈现，伦敦泰晤士河南岸的天际线将增加美妙的一笔。

       2012年的伦敦奥运会给了泰特当代艺术馆一个限期，伦敦市长鲍里斯·约翰逊亲自参加开工仪式，对它的重视可见一斑。但泰特的总监Nicholas Serota坦言：“尽管当局会对此事兴高采烈，政客们希望泰特新馆能与扎哈·哈迪德的游泳馆同时开放，但是2013年或者2014年完工要比期待2012年更加现实一些。”

工业建筑的前世今生

       泰特的一期二期工程都是工业建筑再利用的绝佳范例。虽然早在文艺复兴时期，天才大师米开朗基罗就曾将罗马时期的浴场再利用为教堂，将市民文化转变为宗教文化。但现代意义上的旧工业建筑“再利用”，则是二战之后的“可适性再利用”。那些工业时代的建筑遗存，用不着像保护希腊帕提农神庙那样碰不得，。另一方面钢筋混凝土的结构又结实耐用，时间刻出的沧桑与开敞挑高的大空间是呈现绚烂与时尚的绝佳背景。从1970年代开始，人们体会到许多保存下来的老建筑只是一座精美的建筑驱壳而已，其中并无生命亦无生趣，于是开始寻求可以让老建筑重新散发活力的新保存方式，这种“再循环现象”在1980年代以后成为广受欢迎的趋势。工业建筑再利用的案例，在世界上此起彼伏，使得旧工业建筑成为创意产业工作室的首选，也成为创意文化的承载体。

       工业建筑再利用还有一种方式，与泰特当代艺术馆改造电厂的方式有所不同，是“自下而上”的民间自发的发展形成的艺术区域，譬如有名的纽约SOHO区，德国的柏林艺术区，以及意大利米兰的设计艺术区等。离中国读者最近的例子，就有北京以及上海的众多创意园区。

『周末画报』撰文夏小夏

『What's More』

泰特当代艺术馆 - 1897年，亨利泰特爵士创立泰特美术馆，当时名为国立英国艺术美术馆。老泰特美术馆于1980年代决定另行设立一座专门进行20世纪现代艺术品收藏和展览的美术馆，这就是泰特现代美术馆。

赫尔左格与德穆隆事务所 - 1978年成立于瑞士巴塞尔，它的创办人和资深合作人，雅克·赫尔佐格（Jacques Herzog）和埃尔·德·梅隆（Pierre de Meuron）都曾就读于苏黎世联邦理工学院。

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Tags - 建筑 , 设计 , 艺术

『时尚』图案的符号学

Fri, 05 Mar 2010 07:17:31 +0000

       在时装设计上，图案经常有着一种象征性，碎花代表田园、几何带点未来感，这些既定概念并不是一时三刻可以定下来，往往是在时装历史进行时各大小设计师为我们所做的潜移默化式洗脑效果。对视觉记忆有限的人类来说，一个让人难忘的图案必须有一定的过人之处，可能是在配色上比较特别，也可能是挑选了独特的主题，又或是一种崭新的图像手法。

图案的时间性

       最近三季Alexander McQueen的图案运用绝对是经典，让人非常难忘。这样的图案设计永远让人又爱又恨，因为当季度一过，大家也会知道那是过季的衣服，即使你是多么地喜欢那件独特的衣服，你还是会乖乖地把它安放在衣柜里，穿上它在家里打转，对着镜子照了半天，但总没有踏出门外的勇气。

       图案与时间性的挂钩，在那种上世纪五六十年代的图案上最为显著，那段时期不少布料的图案均使用丝网印刷手法，图案一般比较简单，由于每印一种颜色便需要换网一次，所以在配色上也不会太繁复，不过亦因此产生了一种与众不同的图案布料特色，现在看来特别复古。不少北欧家具的设计到现在依然带着这一种图案设计感。

图案的艺术色彩

       说到时装图案与艺术的关系，毫无疑问浮现脑海的第一个影像一定是彼埃·蒙德里安（Piet Mondrian）的《Composition with Yellow, Blue,and Red》色彩方格油画作品，这个艺术作品被大众认知，主要并不是因为大家欣赏蒙德里安这位艺术家，而是因为Yves Saint Laurent在1965年秋冬季设计的“Mondrian Dress”，把艺术作品变成了服饰图案，实在有神来之笔的灵光，这种图案线条简洁、配色强烈的设计跟1960年代的外太空未来感风格不谋而合，立即令设计成为了经典，而且也因此让后世的人对Piet Mondrian这位艺术家增添不少兴趣。

       近年艺术与时装的距离走得很近，Louis Vuitton与Chanel先把店铺打造成画廊布局，在店内放置当代艺术家特别制作的作品，然后还有像Mobile Art这样的巡回演出，让艺术界与时尚界好不热闹起来，两个圈子的人逐渐混在一起分不开。

       比较复杂的手绘（Freehand）图案在近几年的时尚界算是比较流行，可能是电脑Photoshop的东西大家看得太多，也要具人气的笔触唤醒大家儿时的记忆，Julie Verhoeven是其中一人，另外还有为Prada 2008年春夏绘画图案的James Jean，这个系列与Prada一般给人的感觉相当不一样，尤其是那辑杂志广告，背景由James Jean绘画，让Prada给人的感觉一下子亲民了很多。

       再说图案的艺术性意义，还有两位艺术家实在不得不提及，首先是Keith Haring，他笔下的那些色彩缤纷的跳动人偶艺术品，相信不会有人没看过，他既是一位艺术家，也是一位活跃的社会活动分子，1990年死于与AIDS有关的并发症。他生前便很积极地对抗AIDS，在死前更成立了Keith Haring Foundation，现在大家依然时不时能看到他的绘画在服饰上出现，较近期的应该是在Adidas上，这全是Jeremy Scott的功劳，因为他现在成为了Keith Haring基金的代表人物。另外的一位，可能大家也早能猜到，就是当代艺术的传奇人物安迪·沃霍尔（Andy Warhol），不论你是否喜欢他，也不论你是否认同他，他所创作的影像图像就好像冤魂不散一样，时不时又会重来时尚界，出现在各式各样的服饰上，很明显，安迪·沃霍尔的作品在不少人的心目中就是代表着一种对当代艺术致敬的态度。

图案的自然拥抱

       在众多图案设计上，大自然式的取材一定是当中最为常见的一种，花卉图案很明显地一直是各春夏季时装的常客，Kenzo当年就是因为巧妙地使用了花花图案而成名，这堆花丛不只在女装上盛放，也为男性带来走进花圃的路径。花花图案原来也不一定是优雅娇柔，Nicolas Ghesquiere为Balenciaga设计的2008年春夏季便带来了一系列花花盔甲，密集鲜艳的图案结构本来就是要引发视觉上的震撼，再配上那种像盔甲一般的立体式剪裁，难怪花花影像也能让人觉得如此沉重。

       其实跟大自然有关的图案一直在时装界历久不衰，花花图案大大小小不断开花，但动物纹的野性似乎亦在近年成为了时装潮流的固定成员，以往提及豹纹率先想到的是Roberto Cavalli，现在豹纹的广泛程度已经渗入每家每户，然后还有什么虎纹、斑马纹、雪豹纹等等等等，你是反皮草主义者也绝对不要紧，因为这些图案早已以印刷的方式出现在你的衬衣毛衣手袋高跟鞋上。

由图案设计到服饰

       图案原本便是一种具象征性的东西，相比剪裁，服饰的图案其实更容易让人留下深刻印象，有一些原本为图案设计师的人最终成为了时装设计师。Emilio Pucci相信是当中名气最大的一位，他设计的图案的确非常独特，看似抽象，构图上其实具备逻辑，所以即使现在品牌早已换过多位不同的设计总监，但这种视觉的形象还是不太可能放弃。

       人其实是很容易被引导的，尤其是在视觉上，只要突然出现鲜艳夺目的影像，大家的焦点便会一刹那离不开。

『周末画报』撰文 Karchun  图片提供 Gettyimages

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Tags - 时尚 , 图案 , 设计

『设计』漫步纽约：创意无处不在

Wed, 03 Mar 2010 09:10:45 +0000

       你必须承认，一个像纽约那样的城市永远值得一游再游。帝国大厦、第五大道、中央公园、百老汇、古根海姆博物馆……这些都是Big Apple的魅力所在。而涌动不息的新鲜能量和弥散四处的创意生机让这一方土地变得无比撩人，你可以选择穿梭于那些出自明星建筑、设计师之手的别致养眼的精品店……创意为先的空间确信会让你领略到吹遍了纽约城的活力之风。

走访设计热点地带

       Droog在纽约的第一家店面作为此次旅程的第一站应该会是一个不错的开始，这里拥有一切引人注目的亮点，担保不会令你失望。这片900平方米的设计空间位于丰盈充实的SOHO区，由设计师Jurgen Bey巧加装点，竖立着蔚为壮观的装置作品“The Blueprint House”。这里概念性的陈设让你毫无身在一家店铺的感觉，虽然所有的一切最终还是用作销售的。它却让你拥有在博物馆才能拥有的体验，静静享受一场设计艺术的盛宴。

       如果你走到了切尔西区附近，不妨到大师Ralph Pucci位于18大街那座庞大的两层楼工作室中去走一走，那儿集中展示着一系列最漂亮的设计精品，其创作者有Vladmir Kagan和James Rieson等享有盛名的美国创新人士，有David Wieks这样后来居上的年轻一辈，当然也不乏众多法国设计家，比如经他提携在1986年入行的Andrée Putman等等。要是你会经常去纽约，或许可以时常去看一眼，据说他们每隔三个月便会更换一轮非凡的展品。

       在纽约翠贝卡区的一些旧厂房同样值得造访。VIPP垃圾桶工坊创办者的孙子Kasper Egelund在这里Murray街83号建起了自己的展示空间。尽管名为垃圾桶，这可是个干干净净的所在，是举办展出的理想之地，那里陈列着Ralph Lauren、Yoko Ono、John Baldessari等25位明星艺术家和设计师最近专门为工坊定制的经典设计作品。

享受纽约创意生活

       这几家比较新的酒店，应该可以放在你此次出行前准备的预定名单当中。众所周知，ANDRé BALAZS是旅馆行业中备受炒作的巨头人物。他这家新开张的Standard New York酒店是一座由玻璃建成的摩天大厦，开业后很快就变成了Meat Packing区中新的热点，就连店内的餐厅每天都有大量的贵宾光顾。酒店的客房里，装饰风格富于极简派特色，但巨大的玻璃落地窗却令人感到自己仿佛高悬在纽约城的半空之上。倘若大酒店不是你的杯中酒，那么在曼哈顿魅力的感染下充溢着浓厚摇滚风格的ACE酒店或许可以得到你的青睐。

       2008年4月，影星Robert De Niro出人意料地戴上了室内装饰建筑师的鸭舌帽，为自己在纽约城开办的第一家酒店进行了设计。这家叫做Greenwich的酒店营造出了一座英式风格的俱乐部、一家形同日本庙宇般的SPA馆、一片洋溢着地中海风情的庭院，而最近又推出了一家意大利餐厅——Locanda Verde，由赫赫有名的Andrew Carmellini主持料理。此地融天下众家之长于一身，堪称一大成功。

       纽约的吃，让人无从说起。但若是说到美食之外，还可以体验曼哈顿魅力精髓的地方，那么我就要向你推荐Casa Lever了，这家在Midtown新开业的意大利餐厅由Pauli家族经营，店内好似一座艺廊，陈列着安迪·沃霍尔创作的一幅幅人物肖像。

       至于深夜，还是请留给Monkey Bar吧。首先，光顾此地的传奇人物为这里留下了令人难忘的记忆：海明威、Fred Astaire、Franck Sinatra。其次，《名利场》杂志的大腕主编Graydon Carter是这家酒吧的老板。第三，艺术家Ed Sorrel用红色皮革长椅和洋溢着20世纪30年代情调的壁画为此地营造出了一派富于时代特色的装饰风格。总之，这里有太多理由让你驻足了。

『周末画报』撰文 Simone Chen、Soline

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Tags - 设计 , 室内 , 创意 , 建筑

『电影』独立当道：小成本的好时光

Tue, 02 Mar 2010 09:02:28 +0000

       2007年，欧美影评人提到本年度小成本影片的成绩之时，还在用“糟糕的一年”来总结，那个时候无数小成本作品拥挤到夏季档上映，几乎为视觉大片当起了票房分母。但在全球经济危机的阴霾下，情形却忽如一夜地被恍然扭转。2009年美国电影的逆市繁荣，很大程度要归功于一些投资不到4000万美元的电影，它们打动影迷的同时也在经典的名单上占上了一位。

营销手段催生票房春天

       小成本电影在2009年终于攻占票房，华纳影业带来的《宿醉》，以3500万美元的制作成本收回了2.77亿美元的票房；索尼推出一部名为《超市特警》的小成本电影，以2600万美元的投入收回了1.46亿的票房。不过，要说本年度最赚钱的奇迹型电影，当属派拉蒙影业的《鬼影实录》。影片记录了一对年轻夫妇在饱受家中灵异现象困扰后，决定用隐藏摄影机拍下所有不可思议的恐怖画面。

       本片完全使用手提式家用DV拍摄而成，后期剪辑也是在普通的家用电脑平台上完成，制作成本只有1.1万美元，拍摄周期则只有一周，摄影棚设在导演的家中。一开始它并没有获得在影院播映的机会，直到它在碟市和网络上的火爆引起了市场的注意，加上斯皮尔伯格的出手帮忙，才得以登陆影线，并干净利索地拿下了当周的票房冠军，最后在美国卖了1.07亿美元的票房。

       而《鬼影实录》也诱发了美国媒体对电影“病毒式营销”概念的重视。它一开始只在小范围的几家影院上映，其后登陆了Facebook、Twitter和YouTube等网站，放出独特的预告片，并由网友投票该不该让本片继续扩大上映范围。这部电影的成功引领了一阵潮流，同时也让派拉蒙影业看到了生财之道，他们决定每年制作20部类似的微型成本电影，每部造价控制在10万美元以下，并无一例外地送上影线。

女性观众为低成本文艺片买单

       在好莱坞以及各国电影片商眼中，13-35岁的男性以及合家总动员型的观众才是票房的支柱，各大制片厂也是以这一类受众的品位为上来进行服务的，所以备受重视的高投资电影多为动作片、涉性喜剧、恐怖片以及3D动画，从暑期档中永远是以动作、科技挂帅的大片为主秀这一点，就可以看出片商心目中谁是上帝。

       不过一部《时尚女魔头》接一部《欲望都市》，这让好莱坞片商们一下子擦亮了眼球，没错，女性意识高涨的现今，女性观众也是电影受众中不可小觑的群体，在很多时候，女性为电影所付出的热情和金钱更加地率性和不假思索。2009年，女性电影顶起半边天的现象更为明显，女性观众用票子捧红了沉寂已久的桑德拉·布洛克。这位美国“傻大姐”的两部影片《假结婚》和《弱点》，成本均控制在4000万美元以下，但《假结婚》居然拿下了美国1亿美元和全球3亿美元的票房。

小成本不再曲高和寡

       小成本电影其实在票房上无过大野心，它一向是有艺术深度和独特理念的电影代表，但如今它们一直以来曲高和寡的气氛被打破了。从《拆弹部队》说起，本片从票房和投资来看均貌不惊人，但并不影响其成为2009年最风光的美国电影之一。

       在动画领域中，没有惊心动魄的视觉特效、没有英雄主义渲染、也没有大规模的宣传造势，一部造价不高的黏土停格动画《玛丽与马克思》最终成为了圣丹斯电影节开幕影片，获得2009年法国昂锡国际动画影展最佳动画长片奖，柏林国际电影节水晶熊奖及渥太华国际动画电影节最高奖，并收到了所有影迷的赞赏。

       除了以上所提，还有引爆热议的《第九区》、备受关注的《真爱》、令文艺青年心动的《和莎莫的500天》均取得了惊人的商业和艺术收效。总之2009年的低成本片不再是塞空当的分母作品，也多少洗掉了过往那些故作高深的艰深与小众，他们和高投资大宣传的电影一样取得了公众的关注。

2010年，小成本的春天是否偶然

       今年，人们在热切期盼着《钢铁侠2》、《纳尼亚传奇3》、《玩具总动员3》、《诸神之战》和《艾利之书》等视觉大片的同时，也看到不少小成本与B级片已经爬上了上映片单。除了詹姆士·弗兰科的《约会之夜》、奔五欲女们的《欲望都市2》，以及《暮色3》早早锁定女性观众外，也有诸如《小屁孩日记》、《寻堡奇遇3》、《热浴盆时光机》等搞笑+涉性小成本影片的到来。

       是的，低成本影片的全面开火从某种程度上是大制作良莠不齐、精品欠奉的年度产物，但也算提点和开启了好莱坞的电影新时代，《鬼影实录》的平民式病毒营销手段、《玛丽与马克思》带来的黏土2D动画的复古潮以及《拆弹部队》直指奥斯卡的超前意识，以上这些无独有偶都让小成本电影迎来了最好的时光，它们带来了票房实惠、影迷口碑以及奖项的肯定，最重要的是，它们的独立思考为技术派和视觉系垄断的电影界带来了新的思考模式和巨大的惊喜。

『周末画报』撰文小托

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Tags - 娱乐 , 电影 , 独立

『建筑』落叶小屋：与自然零距离

Mon, 01 Mar 2010 03:54:49 +0000

       于树荫下饮酒、博弈或是缱绻入梦，仿佛是在宋代古画或是日本俳句中才能遭遇的场景，而伦敦建筑工作室Undercurrent Architects如今却将这古远的诗意移植到了悉尼的某处私人居所——一个被冠名为“落叶小屋”（Leaf House）的穹形楼阁被建筑师和工程师们安在了这个临近海岸、坐拥绝佳风光的庭院里。

       由金属板错落有致重叠成的宛若落叶状的屋顶显而易见地标明了“落叶小屋”这个名字究竟从何而来。一个曲折盘旋的钢梁结构支撑起了这些沉重的“叶片”，同时也为建筑内部带去了一股动态的能量，事实上，你很容易就将这个钢梁结构同冬天里那些光秃秃的树干联想在一起。轻薄的模压玻璃围起了轻盈的室内空间，外部的自然景致在这通透的设计中几乎触手可及。然而，在这所“落叶小屋”中，你大可不必有被全然洞穿的尴尬。出于私密性的考虑，几间密室已经被Undercurrent Architects不动声色地藏匿在了沙岩地基处。

       不管是金属还是玻璃，这些充满现代感的材质在设计者手中借助建筑的独特形式从而摆脱了现代建筑中的那些陈词滥调，在这个位于悉尼北部的小小庭院里扬起了一阵清新的风（有意思的是，在电话采访中，我们发现建筑涉及的许多高新材料居然都是“中国制造”，它的钢梁结构来自广州的广船国际，而玻璃则是由深圳南益玻璃制品提供）。当“落叶小屋”挑起的金属屋檐、玻璃墙面上的反光与室外草木交融成同一帧宁和的风景时，它们在诉说的实则是同一种语言，那跃动在这语言背后的应该是与自然零距离接触的心愿吧。

『周末画报』撰文 Simone Chen  摄影师 Hugh Rutherford

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Tags - 建筑 , 设计 , 居所